Коробова Галина Алексеевна

Искусствовед.

В 1971 г. окончила Ростовское училище искусств (театральное отделение),

в 1983 г. Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина

по специальности «Теория и история изобразительного искусства».

Автор статей и каталогов по современному искусству.

Организатор выставок современного искусства: «20 лет Ростовскому андеграунду» (2003),

«Импровизация в 4 плана» (2005), «Дон да ковыль» (2006), «Обыкновенная живопись» (2006).

Награждена знаком Министерства культуры СССР «За отличную работу»,

Серебряной медалью Академии Художеств России.

С 1983 по 1993 гг. — старший научный сотрудник Ростовского областного музея изобразительных искусств.

С 1995 г. преподает историю искусств в Ростовском государственном педагогическом институте Южного Федерального Университета.

Доцент кафедры живописи, графики и скульптуры ЮФУ.

     Сегодня перед художественным образованием стоит множество вопросов, а именно: адаптированы ли методы преподавания к современным художественным практикам и формам искусства? отвечает ли художественное образование вызовам времени? Одним словом, актуально ли художественное образование для современного искусства? Эта тема стала предметом для дискуссий на страницах художественных журналов. Адепты актуального искусства, — критики, галеристы, — сегодня сошлись во мнении, что, несмотря на то, что от художников ожидают только «концепций», профессионализм никто не отменял. Точного определения художественному профессионализму нет. На протяжении человеческой истории время вносило свои коррективы в понятие профессионализма и в мифы о художниках.

    Формула профессионализма все-таки есть, и состоит она, как и прежде, из мастерства и «культурной вменяемости» художника. Возможно, что «культурная вменяемость» художника сегодня стоит на первом месте. Художник должен осознавать те культурные ценности, которые были сделаны до него и рядом с ним, и понимать происхождение своих творческих приемов. Историческая память должна отзываться в каждом мазке, линии, жесте, ибо «лучшее произведение — то, где непосредственно ощущается бессмертие художников давнего времени». История искусства у художника должна быть на уровне подсознания. Художник начинается не с открытия и постижения окружающего мира, а с открытия художественного мира. Само искусство становится главным побудителем творчества. Яркий пример тому — творчество Пикассо, который не только не отрицал огромного влияния на него мастеров предшествующих эпох, далеких и близких, но доводил его до уровня сознательного творческого приема. Он был великим интерпретатором классического наследия, оставаясь авангардным художником ХХ века. Через призму классичности воспринимаем мы искусство Матисса, Де Кирико, С. Дали. Сегодня другая картина мира. Любой оппонент возразит (и будет прав), что весь ХХ век только и занимался тем, что расшатывал представление об абсолютной ценности академического профессионализма и вывел на арену совсем другой тип художника — нервного, шизоидного, который всей своей жизнью, разрушительными жестами ищет другие опоры. Разве не так? Откройте «Историю искусства ХХ века». Там уже все написано. Мастерство, Мастер – эти слова все реже применяются в отношении художников, да и не только. Если в советском искусстве все-таки были мастера, то к современным художникам это звание не подходит. Даже если он выполнит умопомрачительный перформанс: – он будет «герой», но не мастер.

    Можно рассматривать историю искусств как историю художнических личностей (Якоб Буркгард) или как «историю духа» (Макс Дворжак), или как историю художественной формы (Генрих Вёльфлин). Но при этом все искусствоведческие концепции рассматривают историю искусств как историю художественного мастерства. Глядя на произведения великих мастеров, человек не устает восхищаться тем, как это сделано. Не что написано, а как. Именно в этом смысл и загадка творчества. Мастерство всегда будет современно.

    Академическая система художественного образования, несмотря на все исторические трансформации, цеховые разборки, борьбу и отрицание, остается самым востребованным образовательным конструктом. 500 лет этому образовательному проекту, если считать от платоновской академии Медичи во Флоренции. В чем секрет такого долголетия? Как бы ни было муторно и скучно рисовать этих «гудонов» и «давидов», а ничего не поделаешь — такова система. Это есть Путь проверенный и надежный. Тот же оппонент опять возразит (и тоже будет прав), что профессионализм сегодня заключается в другом, в точном попадании художника в «болезненные разломы» своего времени и в его стремлении отодвинуть «последние времена». Но искусство всегда несет большие профессиональные утраты, когда взваливает на себя все проблемы социума, пытается подменить собой все общественные институты. Может быть, прав знаток искусства К. Фидлер, утверждая, что «задача художника не в том, чтобы выражать содержание своей эпохи, но скорее в том, чтобы давать эпохе содержание»? Может искусство не должно следовать никаким иным законам, кроме законов своей внутренней природы. Так поступали старые мастера в лучшие периоды искусства. Они не изображали кровавые драки семьи Медичи с семьей Пацци, а упорно и настойчиво занимались перспективой, моделировкой, рисунком, создавая бессмертные произведения.

Г.А. Коробова
доцент кафедры живописи, графики и скульптуры ЮФУ